南方艺术

杨飞云：中国写实油画如何回归(3)

来源：新浪收藏

2013-09-11 09:29
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　　第一，如果把写实油画放进美术馆收藏体系里边去，您建议怎么放？怎么布置？

　　第二，未来写实油画的具象发展空间，可能我这个问题有点儿太功利，到底是一个什么样的趋势？谢谢！

　　杨飞云：我们说这个时候到了一个博物馆建设的时代，无论是民营的还是官方的，是公立的还是私立的，这是一个发展文化艺术最好的时代。刚才杨心一老师说到市场的问题，我想接着说一下。

　　我想说的是我们这一代画画的人，有的时候还羞于谈市场，就是因为我们的出身和我们那个时候的观念。现在进入到一个非常重要的时期，就是中国写实油画主要是靠中国自己的收藏家慢慢地推动起来的，是由本国企业家或者对文化关注、有实力的一批热爱文化的人，慢慢把中国油画特别是写实油画推动起来的，他们对此有着深厚的个人情感。

　　有几位艺术家，像我们几位幸运的，赶上一个特殊时期，那个社会是一个发展时期，这个只有杨心一老师能说得清楚，我也是第一次听。

　　我要说什么呢？其实画画一旦过多地想着卖画，我的体验是画不好的，甚至画的好的画家老想着卖画也会把自己的水平掉下去。因为社会真正来推动或者追崇关注你是因为你的艺术，而艺术本身又是一种很纯粹的投入，很纯粹的一种精神上的活动，如果那个地方有混杂，我觉得是一个很糟糕的事情，这也是市场和艺术之间的一个很特殊的关系，搞不好是是很严重的。

　　再一点，我想说一下写实油画确实有普及性，因为这个画种好懂，一看就可以看到形象或者是故事。但是，买画的人如果仅仅从看形象、看里面画的内容，然后看到一些故事，其实还没有看什么油画艺术，这个是我想说的问题。真正好的油画在历史上能够留得住，不是因为他的故事说得好，而是绘画艺术上的成就和高度、内涵、表现力决定的。

　　在这里，很高兴地感谢新绎空间，感谢我们新奥集团的老总能推动年轻的油画家。我刚从德国回来到798，来到新绎空间，已经看到一个完全具有国际性视觉展示模式的画廊，以及非常先进的运营方式，看起来很不错，是非常先进的。并且，现在有很多民营的博物馆、美术馆来推动优秀的艺术。

　　关于收藏我有以下几点建议。

　　第一，我们到国外看，可能把卢浮宫看完再去趟奥赛。如果把奥赛的东西都放到卢浮宫，你不会觉得很混乱，或者再把蓬皮杜放到奥赛去也不会觉得(混乱)，因为今天这个时代一方面多元，另外一方面绘画的范围很广。所以我觉得要决定一个方向，就是收藏哪一类，推动哪一类的艺术。推和收需要有看点，否则你空间不大，最后摆出来的东西零散就没有力量。

　　第二，要致力于活态的、当下的、优秀的东西去收，要依靠专业的眼光去收。为什么？因为碰到的机会很少，有限地得到几件这种作品，你那个钱就能对中国当代艺术有很大推动作用。这样比较有实在的社会意义和学术意义，同时也能够比较容易建立起一个像样的美术馆。

　　彭锋：谢谢杨老师，还有另外一个杨老师。   

　　杨心一：这个问题很有意思，因为根据我的研究，包括我个人在美国MOMA和古根海姆，我们会发现，事实上，现在中国个人要开美术的风潮或者是趋势，事实上非常接近美国的一个案例。因为美国在一次、二次世界大战之间，反而跟欧洲美术馆兴起制度的历史关系不大。因为大家都知道欧洲美术馆更多的是公立或者是联邦政府来资助的，很多是国王或者是贵族留下捐给美术馆才成立的，那个案例跟中国来说没有办法分享。相反在美国，比如说我所工作的美术馆的例子可以跟大家分享一下。

　　大家知道MOMA现代美术馆是全世界四大现代美术馆之一，成立于1929年，是洛克菲勒家族捐赠的、在纽约成立的一个美术馆。为什么成立这样美术馆？也就是美术馆的使命和功能是什么？因为，虽然美国是现在所谓的文化霸主，但是在20年代、30年代美国什么都不是，那个时候西方不只是艺术发达，相比而言美国是一个非常落后的国家。比如艺术史上都会知道二十世纪之前所谓的大师毕加索、马蒂斯那些人都是美国艺术家所崇拜的人，因为那个时候美国缺乏一个比较好的推广美国自己艺术的环境。所以，洛克菲勒家族作为美国最有势力、最有理念的家族就出来做这个事情，他们收藏作品就非常明确使命跟贴近历史，这是一个非常重要的观念。同样，要做一个私人美术馆，不管你的规模多大或者多小，这个观念非常重要。美术馆是很大的一个场馆，所以要贴近时代脉络，你做一个收藏或者做美术馆不是你想怎么做就是怎么做，还是要根据时代的需求。这是一个非常好的时代，我们做这样的事情，这个意义很重要，这是第一。

　　第二怎么做？比如说MOMA他们收藏的时候，面临一个很大的问题，他们想收藏好的作品，但是很多重要作品已经被欧洲更重要的地方收藏，他们要从脉络当中寻找自己收藏脉络，所以他们找了一个馆长，他根据他们家族的需求、历史的现状，找到了一种艺术史观，在当时被欧洲为主的艺术史家批评得体无完肤。但是他觉得这是美国人的史观，他一直不断地做，到现在事实证明了，MOMA绝对是全世界最重要的美术馆，很多西方大师，比如说里希特，事实上里希特在MOMA公关了将近十年，因为他自己本身有很大的特色，可以创造他自己的价值，那个其实才是这个美术馆很重要的一个使命。

　　回到中国，我觉得具体来说要做什么样的美术馆就是要看现在的机会在哪儿，这是第一；第二，古根海姆可能是最好的一个案例，因为他们的家族是犹太人，怕被迫害就跑到了美国，他是从个人收藏开始，从康定斯基抽象的开始，二十世纪初期是全世界抽象画最大的一个收藏家，所以古根海姆的前身——“非具象美术馆”，从那样的一种机缘当中有办法收藏到那么多的东西，然后他慢慢推广。那个时候康定斯基在西方不是很重要的艺术家，他们觉得他不会画画，因为那个时候抽象风潮不是很大，因为那个时候他有这样的胆识和眼光，还有对历史的判断，才做了这个事情。我先跟你们分享这两个例子。

　　在中国能做的是很多的，可能要稍微打破门类的概念。如果我们做写实主义为主非常费劲，最重要的原因，就杨院长而言，是他最重要的作品你现在出一个亿也买不到，因为人家不卖。如果这么重要的写实主义为主的一个美术馆，没有几件所谓的镇馆之宝，何称为美术馆呢？当然也不是说不能做，这当中我的建议是可以增加很多的教育功能，比如说杨院长的近作，相对来说可以说服他让我们收藏一些，他早期重要作品在中国美术馆或者在西方美术馆，我们可以用一些数位化、科技化的手段变成教育，来到某一个区域看到是互动式的，有很多Ipad或者高科技的方式让我们了解他的作品，旁边又有一个他现在的作品。一方面有一些虚拟的东西，一方面有实际的东西，这样会变成一个很好的互补。另外一个美术馆的东西就是教育，如果美术馆没有教育功能，只比藏品好坏，这个东西是非常费劲的，因为不仅费钱，也费很多媒体宣传的效果，如果把这一块做好，很扎实地做好，是非常指日可待的。因为从教育当中做很多东西，让很多年轻一代去了解你藏品的脉络、背后的宣传是怎样历史的价值，慢慢地产生出这个馆的特色，这样就会做成。当然这个馆不管最后要收藏什么，中国写实是一个非常重要的绝对不能缺失的一个门类。  

　　张杏兰：谢谢！

　　提问：朱老师您好，我很喜欢你的画，你的画画的是人性中很美好的一面，你追求这种平淡是不是和中国传统文化的庄子追求的平淡是一致的呢？中国传统文化非常博大，有很多美好的东西，你是不是从传统文化中吸取营养的？你的高度、内涵、表现力是如何从传统文化中吸取营养的？谢谢！

　　朱春林：谢谢你提的这个问题，这个问题也是油画院很多老师一直在思考的问题。对传统的一些吸收，我上学的时候不是很自觉，到毕业以后这种意识越来越强，很多中国过去经典绘画给我的一些养分，包括这次彭锋老师策展的时候谈到中国传统也有很深的含义。中国绘画强调“天人合一”的境界，中国古典美学的精神对我的绘画是有很深的影响的。我们在现实的环境当中，现在这个时代是全球化、人的压抑蛮大的，人其实很难完全进入到单纯的、返璞归真的状态里边去创作，现实当中我们的新境被搅扰、被各种问题纠结。因为在油画院有很多年轻人，年轻人现在的压力和我们当时上学的压力是不一样的，我们当时相对来讲大家都是差不多、状态差不多，生活的状态、思考的状态比较接近。现在的社会作为了很多人在精神上的一些困惑和压力，我觉得中国传统的学习，能让人暂时抛开这一切。问题是在现实当中有很多的残缺，所以有很多困惑和纠结，问题是我们如何重建心灵的单纯、返璞归真，在中国传统文化中有所吸取，至少给你一个启示。绘画终极的问题也是应该回到这样的境界里边。

　　我比较赞同中国提出来的“天人合一”的境界，实际上在“物我两忘”完全抛开自己，你的灵感、创作得助于一个超越的、更超越的境界，应该有一个更好的作品的出现。这个问题很难一两句话说清楚，以后有更多的机会，也可以请教彭老师、杨老师他们。

　　提问：今天来到这里是想学习的，有两个问题，一个是刚才杨心一老师说美术史的各个阶段的画家们，如果缩小到中国来讲，刚刚起步的画家在您的角度来讲应该怎样思考自己的定位？

　　一个是刚才王老师讲曾经的迷茫、画作像照片的问题。我也是画画的，小画家，画写实现在借助于照片多一些，再加上其他的原因，可能会产生这个问题。刚才听杨飞云老师也从另一个角度讲了这个问题，说需要提高，如果我要从具体实际操作上应该怎么做？我也一直研究古典主义，但是很肤浅，首先是中国近现代这些外国大师学习的比较多一些，第一是实践；还有一些是放大的局部照片、图片，我个人的思想是脱离照片，大师的作品和中国油画家的作品对比，会发现我们的技法是不是面临着问题？像我这种小画家来讲是不是要从这个角度上更丰富一下或者怎样？比如古典技法是不是应该更深入地去研究？杨老师从您的角度给我一些意见。

　　杨心一：第一个问题，很多年轻艺术家，刚才三位艺术家，我面对这个问题比较没有自信，因为我画得很差，所以我现在改画抽象了，一画抽象发现抽象真的很容易。三位艺术家很重要的是两点，就是坚持，就是你坚持去画，如果你是以写实为主只能坚持不断地画，因为很多东西在于是你的累计跟自我体会、调整阶段，所以你要坚持。

　　第二个是找到适合自己舒服的题材跟方式，有的人可能是一次画一张，有的是一次画很多张，有的人画身边的题材，有的人想画模特或者是想画照片等等，这是很多不同的方式，你找到适合自己比较舒服的方式就是原则性、根本性的问题，感觉很虚，但这是很实在的东西。因为写实没有任何的捷径或者是诀窍，我可能可以成为一个很好的行为艺术家或者是概念的艺术家。我很快能把西方A艺术家跟中国B艺术家、或者是跟俄罗斯C艺术家拼起来找到一个很炫、很酷的结合，成为一个前卫的概念艺术家。但是写实不可能，因为写实是基本功、造型能力等等一些东西，没有太多的捷径，首先第一点这两个是老声常谈，但是非常重要的方面。

　　第二个在现代，包括朱老师提到他们那个时候的艺术家非常纯粹，杨老师那一辈人更纯粹，但是当代艺术家没有办法回到那么纯粹的时代进行创作，你面临很多诱惑，市场诱惑或者是同辈人的影响，他已经卖一平米十万你可能都卖不出五万，有很多压力的存在。我觉得事实上你们比这几位前辈艺术家有更多的机会，因为现在更多的资本或者是更多有理想的机构，或者是有更多的新的传媒方式让你不会被埋没。换句话说现在你要是在拉萨画，只要你画得好一样会有人找得到你，根本不用愁找不到你，这是一个很好的时代，但是你要坚持，找到适合自己的方式，找到你自己的风格出来。

　　刚才杨院长说得非常好，我也看过很多年轻画写实的艺术家，技巧都有一定的高度或者是认识，但是他们差的就是涵养。你怎么画得更到位或者画的就差那么一点点，那个“一点点”是非常非常难的，那种东西更多不是在技法上，是在你对一种物或人的一种理解或者是观察，说到这里又有点儿我对写实最近的感觉，你别看人家画一笔好像很轻松，其实任何都不是轻松，意境的修为、你的功力、表现方式等等都很重要，年轻的艺术家更多的是在修养，可以从你喜欢的电影、音乐、书当中找到更多的东西来丰富你自己，让你自己变得更丰满，你在画的过程中对作品的理解、角度不同也许你就会得不同，会很好。 

　　杨飞云：其实杨心一回答的头一个问题说得很好，我也想说关于头一个问题。他说到了两个：一个是态度坚持和迷茫，或者是自己怎么有信心；第二个问题是图片的问题。我觉得头一个问题杨老师说得很好，头一个问题怎么说呢？因为现在很宽，看看周围很容易受到干扰，反而连续性的一个相对的范围里边能够积累自己，或者发挥自己，所以有的时候很宽的时候反而不容易找到一种自己展示的地方，他老是在犹豫的状态。在这个问题上要向内求，就是你自己真正是不是喜欢画画？或者你画画的时候，是不是在这个绘画的方式里边能够真正表现你自己？这个自己可能有一种路子，现在很流行或者有一种路子卖得很好，另外一种路子很容易成功。但是大家知道马蒂斯画画非常轻松，弗洛伊德过去一百年了，弗洛伊德画画十一个月画一张写生，用十一个月的时间画一张写生，很费劲。

　　艺术绝对不是一个别人能够替代你的东西，尤其在今天这样一个情况下，有一个百准就是找适合自己的路子，你觉得在里边能够展示你自己，同时做的时候能够钻进去，表现出你自己的体验，这个相对能够建立起一些自信。因为在今天，画画是很多作品、很多条件，今天中国艺术家的条件，可以说刚刚毕业的学生就比五、六十年代的教授的条件都要好得多。这么多的展示空间等着需要好东西，这个时候人反而浮躁了。所以下面的东西就是怎么能够在自己的路子上能够积累，能够慢慢地画出好东西，这个好东西只有你自己感觉到了，别人才能感觉到。你自己都没感觉到希望别人感觉到这是不可能的事情。好像端上来一盘菜不管怎么做首先是你自己要的味道，别人才能吃下去你想要的味道，这是最重要的。所以首先在自己理念上去寻找，或者理念这个地方进行绘画。热爱绘画有非常挑剔的一种等级，而每个人的长处又非常不同，如果不特别热爱绘画，你可能在艺术圈里做一个和绘画相关的别的事情。从古到今艺术不是教出来的，也不能教，只能启发或者是引导，今天学生来的比较多，我想说这样一个问题。

　　第二个问题是图片。有了图片以后，大家知道写实绘画受到最大的打击，因为过去写实绘画承担的功能，一个是照相，留影的功能，是记录功能或者是呈现功能、仿制功能，还有一个就是说故事，表现历史纪实的功能。

　　比如那天我和彭锋老师聊天，如果这儿摆一个镜头很好的摄像机、摄影机，这里边有一百多个人，他可以把每个人都拍得很清楚，但是一个画家你看眼前是一堆人的时候，你注视谁，其他人就变成了影子，你看不见。这也是人类历史上绘画艺术和人的主体观看注视的关系，非常重要，所以不能从学画的时候就依赖照片画画。

　　我五、六岁的时候给我照片，我就给我老爷爷用炭笔画像，打格、描，他不动，提供的信息是死的，你要知道你一辈子可能拍了很多像册，周恩来拍了多少相片，我们一想代表他的肖像只能选出一部分，这就是照片和绘画艺术有很大的不同。当然也是摄影艺术透过技术上的处理也能够出现一些虚实，出现一些效果。还有一点你是一笔一笔地画出来，每一笔经过你的判断、体验、透视表达，你把这个画面画满以后整体说什么，每一笔和整体是什么关系，这是非常重要的地方，画画的人之所以那么着迷，之所以一辈子在自己的画里边不管别的就是因为这个原因。

　　当你拿照片获取形象、动作，要表现那样一个动作和形象作为参考，作为创作时候的参考是可以的，而且还可以有经验，否则照片提供的所有的细节，没有任何取舍和判断力，这个时候你画下来的就是一个照片，甚至有的照着照片画的大写意都是一张照片，因为透视和黑白的关系不是你观察一个现实所能够获得的，就像拍下来一个海岛，你拿着这张照片说我看这个就够了，不用去现场，因为拍出来的现场很漂亮。但是当你到现场，立体的每个部分对你的冲击力很大，而用照片你选择的可能性是有限的，一个照片一切规定得很死了。所以现在图片对于很多年轻艺术家个束缚或者是一个桎梏，而并不是一个帮助，因为太容易了，大家也不画速写，也不去写生、不去体验了，好像我到一个地方拍一些照片就可以离开那个地，不用去观察和体验了，这是很大的问题。所以我还是觉得照片如果画了半天，画成一个照片的效果那是挺可怜的，因为你还不如一个照相机，它能把很多细节都拍下来。如果我们用照片去获取一种平时观察的时候或者观察的时候画下来的速写拿过来创作，这是非常好的办法，这就是我说的绘画离开照片，到自然去写生的时候，看一看你的能力，写生就是由一个真实的全因素的真实通过你的绘画转换成一件艺术品。很多人画了很多画，写生的时候去看，发现原来很多绘画照片可用的东西是有限的，宁可去画真实，大家知道伦勃朗一辈子画了一百多张自画像，照着镜子画自己都能出来那种艺术，所以为什么我们非得靠照片呢？你要当画家就不要带着相机。谢谢！

　　彭锋：谢谢杨老师给我们传授的经验，现在过去两个多小时了，今天的沙龙就到这里。非常感谢大家，感谢杨老师，感谢两位艺术家，感谢小杨，再感谢新绎，感谢张总，感谢新奥集团的领导，谢谢大家，希望今天在新绎这样的沙龙，下次请杨老师继续支持。  

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